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23 octobre 2021 6 23 /10 /octobre /2021 08:24

Joseph  Albers 

Ce qui a retenu mon attention en premier c’est la forme. Je me suis dit comment un artiste ose-t-il peindre sur une forme aussi laide que celle d’un carré! Cette structure est stable certes mais elle est dormante aussi presque marécageuse.


Il est vrai que les grandes architectures de l’histoire de l’humanité à l’image de la tour Eiffel ou les pyramides reposent sur une base de forme carré. Mais là nous sommes dans la peinture en tant qu'art. Cela me rappelle la radicalité et le totalitarisme du 20ème siècle.


Mais bon dieu d' bon dieu qu’est-il allé chercher dans ce statut invariant et immobile où l’absence de rythme est manifeste pour peindre!!!


Pour ne pas rester donc sur une note dépressive de mon appréciation, je suis parti farfouiller un peu pour connaître les motivations qui ont conduit l’artiste à opter pour cette forme et là Eurêka!!!


Joseph Albers a choisi le carré pour sa neutralité, le fait qu’il ne dissipe pas l’attention du spectateur ce dernier est amené à s'intéresser beaucoup plus aux différentes couleurs et à leurs nuances. Donc l’auteur cherche à figer dans l'œuvre le flux et le mouvement du support le privant ainsi d'une certaine plasticité pour que le spectateur se concentre uniquement sur l’éclat des nuances. Est-ce un artifice mental pour abstraire le cadre et donner vie uniquement à la couleur?

Mai ce qui est encore étonnant et même renversant c’est que la couleur jaune en l’occurrence et ses nuances s’est approprié la forme en lui impulsant dans son sillage un mouvement verticale descendant ce qui manquait initialement au cadre.

je suis entraîné depuis le bord supérieur par un jaune Ambre une couleur forme et substance à la fois, absorbé par une force douce qui m’emmène cette fois vers un jaune fauve, empruntant ainsi au fil des variations un escalier hélicoïdale, de l’aube au crépuscule, c’est le mouvement de la vie, c’est le jour puis vint le soir.

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11 octobre 2021 1 11 /10 /octobre /2021 08:31

Félix Vallotton - 1900

J’aime beaucoup la peinture du genre celle qui prend pour objet, dans le sillage du pinceau, les scènes de la vie quotidienne.

Car en dehors de l’ordinaire que nous reste-t-il ?

Il est vrai que le coutumier, l’habituel, le familier nous rassure en quelque sorte. Avoir des habitudes c’est bien, ca vient tout seul par soi-même, il n’y a pas d’effort à déployer.

Nous sommes là donc à rabouter les instants bout à bout, tissant ce fil trivial composé de portion pensable qui nous sépare, nous protège de l’abîme, nous éloignent des margelles de la folie.

Mais sommes-nous que cela!?

Chaque jour que l’Univers fait, les humains dans leur rôle d’alchimiste mal assuré, font de leurs mieux pour transformer le banal, le muer en quelque chose d’inattendu, de pittoresque et d’émouvant.

Parviendraient-ils ?

Donc je regarde ce tableau et je sens monter en moi d’abord une forme d’angoisse. Ce placard grand par ses pans, ouvert à l’image des flans d’une bête sauvage, abrite sur ses étagères qui sommeillent dans un fond noir, inconscient, un ensemble de linge de pièces de tissu employées aux besoins du ménage. Il n’y a presque que cela, des tissus blanc traversés en bordure par une bandelette rouge.

Le tout dessine et peint la tyrannie des jours, ce rituel épuisant qui se manifeste ainsi sur la tête de la maitresse de maison.

Maintenant qu’elle s’est acquittée de toutes ses charges elle a besoin d’être seule, de lâcher prise, de se recueillir pour conjurer l’insignifiante médiocrité des heures, c’est alors qu’elle est devenue forte !

Elle a prie sa lampe à pétrole (nous sommes en 1900), s’est diriger vers la bête a ouvert ses flans et s’est agenouiller en s’appuyant sur sa main gauche comme sur un prie-Dieu.

Dans un fond bleu apaisant, un bleu muet et accueillant où toute pensée se dissout et devient muette, elle cherche dans la diversité de sa mémoire, dans des boîtier petits et grands, les réponses à ses questions, aère par ses souhait d’un lendemain meilleur les souvenirs entassés puis, tel le feu échappant de la lampe, rallume le foyer de son cœur, rêve et désire partir. C’est ainsi que les bandelettes rouges du linge se transforment en voiles de voiliers représentés sur l’abat-jour et le fond bleu du placard en lagune ou en méditerranée.

 

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20 septembre 2021 1 20 /09 /septembre /2021 15:54

 

 

 

"Je n'écris pas parce que je sais,j'écris parce que j'aime."

Siglo 21ème  siècle Après J.C

 

 

 

 

 

Judith - August Riedel 1840

 

J'ai choisie 3 œuvres sur le même thème, l'ordre dans lequel elles sont présentés est volontaire.

Donner à voir, prendre le temps de regarder, laisser venir à nous ce qui est dit.

Il est dans nos habitudes ce réflexe de vouloir nous accrocher trop vite, à chercher trop tôt et hâtivement les instruments qui nous permettent de lire, déchiffrer ce qui est offert au regard. Nous revenons sur nos pas après avoir accepter non sans souffrance cette amère illusion que la rue qui mène à soi est une impasse, sommes poussés alors vers les mandibules de la bête, cette tyrannique injustice que l’on fait à soi-même en empruntant les arguments supposés vraie d’un tiers connaisseur. S’aventurer par nos propres moyens pour donner notre point de vue est risqué, Big Brother, 1984, est entrain de nous voir, il peut nous juger !

C’est donc appuyer la thèse qu’aimer ne peut être que démontrable, provenant d’une analyse clinique, un chemin en acier alambiqué et luisant.

Il faut faire vite, passer à autre chose, pas assez de temps pour changer d’yeux, Proust est mort ! Presses toi changeons plutôt de paysage, d’œuvre, avance, avance, l’horizon recule, vite l’art est long, colles toi au chemin de tes prédécesseurs, il y a de la pesanteur et du quotidien c’est tout ce dont tu as besoin pour avoir des Ready-to-wear.   

Ô combien nous œuvrons, sans le savoir, pour être loin de nous-mêmes.

Je publie donc cet article en apportant progressivement des ajouts, je voudrais laisser voir d’abord.

Un événement assez fortuit m’a conduit à cette publication qui n’est en fin de compte que le fruit de mon imagination. En effet l’autre jour j’étais au café de la cinémathèque de Tanger, mon voisin de la table à côté à ma droite parlais d’une voix forte et puissante, je me suis retourné légèrement pour voir, j’étais alors surpris vraiment de reconnaître en lui le portrait physique de Nabuchodonosor II le roi de Babylone, celui qui a mandaté son général Holopherne pour mener une guerre contre tout le Proche-Orient en assiégeant Béthulie ville de Judith !!!!

Le classement que j’ai choisi (Le Caravage, Artemisia puis Klimt) est établi selon l’ordre croissant de l’engagement de l’artiste à ce tragique événement. 

La relation de l’artiste à ce drame est illustrée en effet selon moi par l’intensité de l’action qu’il met entre les mains de Judith et sa servante. C’est la traduction picturale de cette situation qui échelonne la scène sur un registre personnel croissant (du moins personnel au plus personnel), le spectateur en regardant ces peintures est donc appelé progressivement à donner chaque fois un peu plus de lui-même.

Je me sens un peu indécis, je ne sais pas si je devrais aimer ou pencher un peu plus que je ne l'étais pour l’approche de Le Caravage ou pas. Ce sentiment équivoque vient d’abord du fait que l’artiste nous donne à comprendre qu’il accorde plus d’importance à l’histoire à la morale d’un peuple qu’à la passion et le courage d’une femme, ensuite il exprime son doute sur les  sentiments réels  de Judith vis à vis d’Holopherne.

J’avance cela pour les raisons suivantes qui appuient je le pense mes impressions:

  1. Le Caravage théâtralise la scène par le rideau du fond du tableau et donne une certaine noblesse à l’action.
  2. La servante qui accompagne Judith est une vieille femme qui représente le peuple sa morale. La morale est un cloître ancestral qui encercle par ses vieilles colonnes les êtres humains. Le rideau rouge cherche à anoblir ce peuple. Judith ne vient pas pour se venger mais pour appliquer la sentence, donner vie par la mort au souhait  d’un peuple opprimé.
  3. J’ai observé une expression de tristesse sur le visage de Judith comme si elle était peiné par son geste, affligée par ce qui est entrain de se dérouler, distante, n’approuve pas ou presque  son acte!
  4. les yeux, le regard d’Holopherne c’est celui d’un homme que la vie n’a pas encore quitté il cherche peut-être celui de Judith qu’elle n’a pas le droit de le lui offrir, la vieille, le peuple la regarde. C’est un regard vrai!

La représentation de Le Caravage est magnifique mais vide de passion à l'égard de Judith, Il a donné tout au peuple de Béthulie  sans rien lui laissé à elle.

 

Le Caravage

 

Artemisia Gentileschi a créé deux versions pour cette œuvre, l’une au musée Capodimonte de Naples et l’autre que j’ai choisi de commenter (encore une fois j’ai mes raison, c’est une question d'appréciation que je déclinerais au fur et à mesure ), au musée des Offices à Florence, Italie.

En regardant ce tableau, j'ai noté tout de suite que c’est une histoire de fille! C’est personnel et cela ne pourrait concerner qu’une femme. Voir par conséquent l’histoire sur le viol de Judith. c’est très bien expliqué et commenté.

La servante est jeune, met la main à la pâte et se joint avec un plaisir affiché à la mise à mort d' Holopherne, c’est presque une fête du sacrifice.

j’ai opté pour la version du musée de Florence pour deux choses:

  1. Le drapé constitué de  deux tissus l’un blanc et l’autre rouge couvrant la moitié du corps d’Holopherne se retrouve dans les manches retroussées de Judith et de sa servante, comme si les trois personnages étaient d’un même avis sur ce qui est entrain de se passer.
  2. Encore une fois le regard d’Holopherne y est plus vivant, la version du musée de Naples montre des yeux plutôt jaune comme si Judith n’exécutait en fin de compte qu’un cadavre!

Artemisia Gentileschi

Artemisia Gentileschi

J’ai commencé cet article en déclinant au lecteur mon choix de présentation des trois œuvres: en premier Le Caravage, en second Artemisia Gentileschi puis Gustav Klimt en dernier et dont le fil conducteur de ce choix était le niveau d’engagement de l’artiste, son ardeur à faire ressortir le sentiment, la force de l’acte de Judith dans la mise à mort d’Holopherne.  Si les deux premiers artistes ont fait une représentation dans le feu de l'action, Klimt s’en est distingué par une mise en forme post-mortem.

En effet, Gustav Klimt a représenté ce récit d’une manière originale et tout à fait différente. Il nous donne à voir à peine la tête tranchée d’Holopherne, elle ne figure qu’à moitié et à une toute petite partie du tableau, toute la force du pinceau est transporté par le désir en quelque sorte morbide de Judith, son corps repu de vengeance s’est mis soudain à libérer ses paroles érotiques un regard lascif, ses formes, sa poitrine dressée à peine cachée par un déshabillé transparent à ondulations bleuâtres rappelant les profondeurs océaniques là où les plus intrépides marins ont perdus la vie.

Judith n’est pas venue à Holopherne en tant que prisonnière, mais une capture d’un regard grivois et paillard, un regard désirant qui annonce une rencontre fatale.

Judith s’est imposée par ce qu’elle a de plus fémin, c’est par son abondant à ce qu’elle a de plus chère, sa féminité, qu’elle a pu vaincre.

 

                                         Gustav Klimt

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29 juillet 2021 4 29 /07 /juillet /2021 10:39

 

Chasseurs dans la neige de Pieter Bruegel l'Ancien

 

Chasseurs dans la neige est l’une de mes peintures préférées. Bruegel ! Bruegel ! Quel magnifique présent tu as laissé à l’humanité ! Et dire que quelques unes de tes peintures, vu que tu as été influencé par Jérôme Bosch, sont d’un ordre surréaliste !

Je n’ai jamais été plongé, happé par une peinture davantage que par celle-ci. J’ai une soudaine envie de mettre mes patins d’hiver et d’aller me mêler à la foule, filer et glisser avec les gens du village sur l’étang gelé.

C’est une œuvre puissante où, et c’est souvent rare, la nature semble alliée à l’homme, une absence d’hostilité presque totale. Tout ce qui est vivant est rendu avec une couleur sombre ou brune, les hommes, les chiens, les arbres et le peuple sur les étangs. Ils appartiennent tous au même monde, ils sont ses acteurs.

Je pense que c’est la saison d’hiver, c’est la fin d’un après midi clément, un dimanche je dirais, le devoir religieux qui rend les gens compassé et amidonné par tant de moralité a été accompli, maintenant les églises sont vides et les paroissiens libres, il n’y a que les méandres de la rivière qui serpentent vers l’horizon.

Les hommes fatigués, les chiens aussi, brun et sombre comme leurs maîtres, la chasse a été maigre, passent par dérision devant l’auberge à gauche qui s’appelle « Au Cerf » alors qu’ils n’ont rapportés qu’un lapin ou un renard. Un chien pourtant va relever cette plaisanterie, avez-vous déjà vu une queue de chien en forme de spirale !!! Eh bien le chien du centre en en a bien une !  Oui, très bien fait le chien on a compris que la vie est une roue en mouvement, révolution, évolution et élévation.

J’ai aimé cette couleur glauque du ciel et de la rivière, cet oiseau qui vole en Saint-Esprit bénissant le courage des hommes et l’ambiance exceptionnelle de cette journée, pour une fois que la nature a bien voulue ranger ses armes pour reconsidérer son amitié aux êtres humains.

Plusieurs motifs m’ont permis d’y plonger : l’essor de cet oiseau comme un réticule indiquant la profondeur à viser, la différence des tons entre les couleurs, la perspective des arbres.

Pour conclure je dirais que dans cette œuvre magistrale de Bruegel, il y a autant de pensée que de paysages, un équilibre très rare dans la peinture. A mon avis, à la place de l’Homme de Vitruve de Léonard de Vinci j’aurais envoyé dans l’espace sur la sonde Voyager cette peinture de Pieter Bruegel l’Ancien pour dire à toute autre éventuelle intelligence que l’être humain est certes doué de pensée mais qu’il est aussi amour et équilibre.

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27 avril 2021 2 27 /04 /avril /2021 09:23
Le buisson ardent.

La rue les vents,

Parade vagabonde,

Épidermes silencieux, stratosphérique,

Flottants au-dessus des nuages,

Roucoulement des foules,

Caresser la terre,

Murmure des remparts,

Malgré tous les instruments de la mort,                                       

Paroles emmurées,

Dialectes voyageurs,

Haleine au safran,

Instants en ronde-bosse,

Temps en bas-relief,

Vide reposant,

 Plein, ennuyeux,

Welcome to the machin my son

Embruns fouettant,

Miroir perfide,

Ressac des mers,

Mouettes rieuses,

Dansant sur les cornes de brume,

Raton laveur, Inventaire, Jacques Prévert,

Iris galopante sur les sommets ibériques,

Ombres répudiées,

Dystopies en trompettes de parades,

Corps oubliés puis renvoyés,

I'm in the spothlight losing my religion                      

Margelle des infinis,

Cadastres des âmes assoupies,

Reflux de l’instant,

Fragment temporel en suicide,

Cœurs au pays de cocagne,

Cils perchées sur les bords des tuiles,

Blanche est ma terre,

Terrasses polyglottes,

Un peuple,

Vagissements,

Cris,

Épaisseur du silence,

Cherkaoui, Chaïbia, Jerôme Bosch, Césane, Belkahia, Munch, Frida, Le Caravage, Michel-Ange, Henry Miller.....

Main de Fatima,

David,

Mickaël,

Regards ivres,

Averses de rivages,

Cépages tendres,

Rampant dans les veines,

Claquement des mémoires,

Et des livres,

Subversive est ma plume,

Je sais que je ne suis celui que je sais,

Question euthanasiée,

Réponse décomposée, défunte,

 

Confusion will be my epitaphe.

 

 

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24 avril 2021 6 24 /04 /avril /2021 09:24

 

 

 

 

 

 

 

 

Pour bien regarder une œuvre on doit poser beaucoup plus de question à soi-même plutôt qu’à l’adresse de l’artiste.

 

Antoni Tàpiès                                            

Naissance : terre, boue, argile, paille, moignon, papier, union

Mort : effilochures, poussière, décomposition, rupture, coulures, division

Surfaces lisses, rugueuses, travaillées par une série de marquages, d’inscription, donnent un mouvement à l’œuvre. On y retrouve parfois des signes qui nous révèlent avec avarice les sentiers brumeux que le peintre a empruntés. L’austérité chromatique, disparité des tons, altération de la matière, forces contre le prosaïque et l’uniforme, puis le rouge, violence sanguinolente, puis le bistre, couleur des champs bruns frappés abruptement par le soleil ibérique, ou bien une terre fraîchement remuée par la marche forcée des êtres, un aveu alambiqué, une démarche qui farfouille  cherchant à quérir l’informel  donner une certaine dynamique à l’œuvre écrite à partir d’un mystère, une confidence de l’ombre à son invitant qui lui offre l’hospitalité.

Y a-t-il un certain mérite à s’attarder devant de telles œuvres, chiffre, lettre, signe, indétermination des couleurs. Où est l’articulation ? Les chiffres sont-ils une succession d’opérations qui n’ont pas abouties ou est-ce que les lois les plus rudimentaires de l’esprit ont été détruites, bafoués les droits les plus élémentaires, originels de l’homme.

Miro voulait assassiner la peinture, Tàpies est plus encore déterminé à la meurtrir.

Antoni Tàpiès: « L’artiste doit tout inventer, il doit se lancer à corps perdu dans l’inconnu, rejetant tout préjugé y compris l’étude des techniques et l’emploi des matériaux considérés comme traditionnels »

Formes rudimentaires, salissures, lignes épaisses. Celui qui regarde le tableau est un peu perdu, il ne sait pas comment y entrer, il n’y voit rien d’habituel qui lui en permettra la lecture, les formes conventionnelles en sont absente. Pourquoi cette œuvre, à quoi bon si on ne parvient pas à l’apprécier et par quel moyen. Si des éléments du réel y ont été transposés, le rendu en est tout à fait absent. La question qui se pose est : faut-il rendre toujours beau à regarder ce qu’on voit ? Est-ce qu’on rend beau ce que l’on voit ou ce que l’ont ne voit pas ? Etre artiste est-ce une fonction, est-il l’employé dont la tâche est de transposer le réel pensable sur sa toile ?

L’artiste crée une tension formidable entre le spectateur et le tableau. Est-ce que le peintre cherche à dissimuler sa façon de faire, ses manières d’agir sur la matière. Celui qui regarde le tableau est démuni, privé de son plus élémentaire sentiment de plaisir à regarder l’œuvre, il cherche à en être proche mais à chaque fois il en est éloigné.

Nous ne regardons pas ce qui est : soit nous sommes spectateur de la phase imaginaire de la création du tableau en amont de l’acte créateur : les couleurs et les lignes s’animent encore dans l’esprit du peintre avant d’être dirigées et prendre forme sur la surface qui les accueillera,  soit le tableau a été détruit et sommes à la phase postérieure à sa création, son devenir, en aval de la parade nuptial de l’artiste avec sa toile.

Est-ce anti-esthétique ? Aucun chemin sur la toile à parcourir pour nous rassurer de ce que nous savons, de ce que nous sommes pour aller encore de l’avant. Rien que destruction !

Mais ne peut-on pas citer Proust qui disait que « le véritable voyage ce ne serait pas d’aller vers d’autres paysages mais d’avoir d’autres yeux ». Mais que regarde-t-on ? Le beau du réel ou le beau de ce qui est, le beau de l’Un indivisible.

Dans une œuvre d’art on ne peut que montrer, souligner, mettre en évidence quelques aspects de la peinture qui nous fait face. Dans ce contexte là il n’y a aucune parenté de sens avec le verbe démontrer  utilisé  pour analyser, prouver. Ça n’a aucun sens dans l’art.

Je peux dire à l’adresse du spectateur est non pas de l’artiste la citation de P. Valéry : « la définition du beau est facile : c’est ce qui désespère ».

Le mot abstraire veut dire tiré de, extraire de quelque chose, mais de quoi ? De l’expérience, de la mémoire, de l’histoire vécue du peintre ?

Ce tableau n’est-elle pas une erreur ? Mais l’erreur n’est-elle pas corrélative à la vérité ? Par l’erreur on est donc sûr de connaître la vérité ! Alors grâce à cette création mettons nous à l’œuvre pour la chercher.

Le tableau est-il un spéculum, un miroir qui reflète la réalité ? La réalité de ce qui est pensable intellectuellement est le domaine de la science et non pas de l’art.

Mais que cherche-t-on finalement, le spectateur est en quête de quoi, une empreinte visible, déchiffrable, figurable ? Oh ! Ciel le signe scabreux de notre temps présent qui frise assistanat et imbécillité!!!!

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7 mars 2021 7 07 /03 /mars /2021 08:45

 

"Ces photographies montrent des interactions entre mes mains, des livres s’ouvrant sur des photos de paysages et des éléments tierces variables. Par des gestes simples, Laila Mestari créée des espaces ambigus où s’enchevêtrent les références à l’histoire de l’image, aux espaces livresques et à la complexité incarnée du présent. Le projet aborde le rapport à la fois mystique et marchand entre l’humain et la nature et questionne l’hétérogénéité chaotique du sentiment d’appartenance au territoire. Le paysage, le corps et le livre sont considérés comme trois différents espaces où s’accumulent les idées qui façonnent l’héritage culturel. Ces éléments et leur bagage sont déconstruits par la caméra puis intégrés à de nouveaux contextes où le remaniement des récits historiques est permis comme jeu."

 

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28 février 2016 7 28 /02 /février /2016 10:51
Nature morte avec fruit et homard et quelques réflexions….

Nature morte avec fruit et homard et quelques réflexions….

Jan Davidsz De Heem, vers 1646 – 1649

J’aime la nature morte. Sa vitalité est chargée de significations, elle raconte suffisamment de choses sur les êtres humains et va même jusqu’à trahir leurs états d’âmes.

L’ennui à la regarder attentivement vient peut être de la précipitation que nous inculque les temps moderne. Zapper nous rend inattentif à ce qui mérite plus de rigueur de notre part. La technologie nous a rendu morne et triste et de notre désir réel de s’arrêter ne serait-ce qu’un instant pour nous mettre à l’épreuve du pouvoir d’aimer, n’en demeure que des pulsions c'est-à-dire en fin de compte une exigence de travail au service de l’optimisation de la production. C’est à nous demander si nous sommes toujours vivants !

Dans un article précédent, j’ai largement commenté deux tableaux de même nature celui de Paul Cézanne et Van Dijick, deux manières différentes de regarder un même monde celui de l’humain.

Ce tableau m’interpelle plus particulièrement pour la précarité qu’il met en évidence et l’hypocrisie criante de l’humain. En effet la manière avec laquelle les fruits sont disposés sur la table nous suggère que l’assurance de l’équilibre est révocable, un seul geste pourrait compromettre tout ce que l’on a cru si bien construire, aussi haut que l’on soit perché, personne n’est à l’abri des revers des temps. Nous y regardons donc à la fois une opulence une richesse mais aussi les prémices annonciatrices d’un éventuel effondrement d’un monde, la perte et la pauvreté. Cette mise en valeur est beaucoup plus présente chez Jan Davidsz De Heem que Van Dijick.

Pour ce qui est de l’hypocrisie nous n’avons qu’à porter notre regard à droite au bas du tableau pour relever que la nappe ne couvre pas la totalité de la table et dévoile ainsi la simplicité du support. N’est-ce pas donc que tout ce qui dévoie l’humilité n’est que fioriture ? A qui pourrait profiter la parure de la vérité ?

La parure de la vérité !! Voilà une étrange expression qui voudrait simplement dire comment mettre un cataplasme ou marmelade si vous voulez sur une douleur naturelle.

Lisez s’il vous plait « 1984 » le livre prophétique de George Orwell, regarder « l’Aveu » de Costa-Gaveras, dévorez « Les raisins de la colère » de John Steinbeck, vous verrez alors que même dans la nudité la plus totale l’homme demeure un grand Artiste parce qu’il est le fils du grand architecte qu’est l’Univers.

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Texte Libre



Ces écrits sont nés d'un besoin pressant d'aller vers l'autre, de fondre dans un creuset qu'est ce support des éléments épars exprimant une certaine singularité.

Mais l'homme a vite fait de montrer sa joie une fois il est dans la lumière alors que les vrais auteurs, sans qu'il ne s'en aperçoive, sont dans l'ombre.

Ces écrits ne sont donc que l'expression harmonieuse d'innombrables acteurs proches ou lointains qui ont peuplé mon esprit et qui maintenant revendiquent la liberté à leurs créations.

Je passe mes journées à mutiler mes cigares à décapiter leurs têtes à allumer leurs pieds à déguster leurs tripes, mais l'écriture n'est-elle pas une vertueuse souffrance qui s'ingénue avec bonheur à vous faire oublier votre égo à décliner le constat social et à créer en vous le désir de dissimilitude?

Notre société a circoncis les hommes dans leurs corps, le fera-t-elle pour le prépuce de leurs coeurs et de leurs ambitions?

La vitole bleue dédie ses thèmes à la ville de Tanger, ma terre ma nourricière, au cigare ce plaisir perle des dieux fait par les mains des hommes, et enfin à mes écrits vérités sur mes parures qui donneront je l'espère suffisamment de plaisir aux lecteurs.
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Recherche

Peut-être un jour

Qui c'est celui là?
Mais qu'est-ce qu'il veut?
Tanger 2010
 

Comment se fait-il qu’un homme quinquagénaire simple et ordinaire, père de deux enfants et œuvrant dans le secteur bancaire tombe, sans suffisance aucune, dans le chaudron d’Epicure ?

A vrai dire j’essaie de ressembler à ma mémoire, c’est une conteuse passionnée, qui m’a tatoué le cœur par le premier clapé de sa langue sur le palais pour me raconter le plaisir du cigare, et la première lueur blanche de Tanger sans laquelle tous mes devoirs envers mes plaisirs ne seraient qu'un amour futile.  

 

 
Porsche 911 carrera 4
Porsche 356 1500 S Speedster (1955)
Porsche 356 1300 coupé 1951
Porsche 356 A 1500 GT Carrera 1958
Porsche 356 châssis 356.001
Porsche Carrera 911



 
 

  

 

des mots en image

D'hércule et d'héraclès
Blanche est ma ville
Brun est mon humidor

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